En el Malba se acaba de inaugurar una exposición antológica del gran artista argentino Kenneth Kemble (1923-1988) a quince años de su muerte.

La muestra, curada por Florencia Battiti, incluye una treintena de obras realizadas entre los años cincuenta y mediados de los noventa: pinturas, assemblages, objetos y collages (estos últimos, piezas históricas nunca antes exhibidas). Además, en una pequeña sala construida ex profeso, se presenta un video con un registro documental de la exposición Arte destructivo, experiencia colectiva realizada en la galería Lirolay en 1961. En aquella experiencia, Kemble estuvo acompañado por Enrique Barilari, Jorge López Anaya, Jorge Roiger, Antonio Seguí, Silvia Torras y Luis Wells. La etapa del arte destructivo se complementa aquí con valiosa documentación. En relación con aquella muestra, Kemble sostuvo: “Se me ocurrió que sería interesante canalizar esta tendencia destructiva del hombre, esta agresividad, reprimida en la mayoría de los casos, pero siempre pronta a explotar nocivamente, en una experiencia artísticamente inofensiva”.

La exposición Kemble por Kemble del Malba, además de volver a poner en circulación una obra fundamental de la historia del arte argentino, se destaca por haber sido concebida en base a las preferencias y acentos del propio artista, según se desprende del estudio de sus textos autorreferenciales, prólogos, presentaciones y críticas (oficio, el de crítico de arte, que Kemble también ejerció).

Su carácter crítico y provocador se traslada, contagia y constata en toda su obra, donde el artista da cuenta, expresivamente, de ese inconformismo. Para Kemble, la práctica artística tenía sentido si se ejercía como un modo de cuestionamiento. En una conferencia que dictó en 1960, dijo estar “obsesionado, como muchos de nosotros, por el hecho de que el conocimiento absoluto es inalcanzable. Porque todo lo que podemos conocer acerca de nuestra existencia probablemente es sólo una mera partícula del todo. Y entonces pinto esa partícula, y la simplifico, con la mayor de las humildades. Pero, por supuesto, no estoy satisfecho, y mi ego se rebela contra esta limitación, y protesto, y afirmo mi personalidad agrandando esta partícula a proporciones monstruosas, quizá con la fatua esperanza de que, debido a este gesto, no pasaré al olvido”.

Desde los collages y assemblages tempranos hasta las pinturas donde estallan los colores y se delinean con precisión las formas, la exhibición reconstruye el itinerario del artista y se puede comprobar cómo a través de toda su historia artística Kemble hizo de la pintura una práctica consciente de la teoría que la fundamentaba, así como de los procesos creativos que la iban generando.

En los años cincuenta formó parte del movimiento informalista, con “composiciones” espontáneas y caóticas donde el acento estaba puesto en el dominio de la materia y la densidad de la pintura, tanto como en la utilización del collage. Aquel presente del artista, en cada pieza informalista, dejaba su huella.

Pero el propio carácter rebelde del pintor lo llevó a cuestionar el informalismo hasta el límite de recuperar cierta herencia del arte concreto, al que supuestamente el informalismo había venido a combatir.

A mediados de los años sesenta se orienta hacia una pintura de superficie, en la que colores y formas se yuxtaponen.

En relación con alguna de las características de la poética de Kemble, la curadora Florencia Battiti escribe que el artista “volcó en su lenguaje plástico algunas de las premisas que sus lecturas le recomendaron para incrementar el desarrollo de la creatividad: apelar a las asociaciones inesperadas, buscar la conjunción de realidades inconexas, implementar cortes abruptos en la lógica habitual del pensamiento, destruir la supuesta naturalidad de una secuencia de razonamiento”.

Siguiendo con el itinerario, casi como una derivación, comienza a poner en práctica una economía de las formas; hacia mediados de la década del sesenta se deja influir por el germano norteamericano Joseph Albers, en la búsqueda del equilibro entre medios y resultados.

De una etapa a otra, el pintor avanza sobre sus series anteriores y las “discute” con nuevas pinturas. Podría decirse que Kemble pensaba la historia (del arte) como una serie de rupturas, producto de una lucha por imponer sentidos, ideas, proyectos estéticos.

Resulta ilustrativo volver a la palabra del artista, tan consciente de sus procesos e ideas: “Comencé haciendo pintura realista, naturalezas muertas y paisajes, pero siempre me interesaron las posibilidades de la pintura misma, incluyendo la forma y el color. Luego en París sufrí la influencia del cubismo y también experimenté con varios modos y formas de representación. Hasta que un día, harto de intentar encontrar el motivo que pudiera encajar con la imagen que yo tenía en mi mente –ciertas combinaciones de color y/o formas–, decidí ponerlas en la tela tal cual eran, olvidándome completamente de las botellas, las jarras y los paños. ¡Estaba azorado! ¡Funcionaba! A partir de ese momento pinté febrilmente, anotando todas las ideas que se me ocurrían. Ese fue un período de experimentación y aprendizaje. Con el tiempo, por supuesto, todo esto se condensó en una especie de síntesis y, gradualmente, comencé a dibujar formas muy simples que yo consideraba satisfacían por sí mismas mi necesidad de expresión”.

A partir de la feliz coincidencia de la muestra de Kemble con la multitudinaria exposición de la obra de Yayoi Kusama, se espera que la marea de visitantes no sólo recorra la “obsesión infinita” de la artista japonesa, sino también desborde hacia la vocación de provocación que supone la obra de Kenneth Kemble.