En el verano de 1998, el cineasta Darren Aronofsky se dedicaba a pintar con spray esténciles del símbolo de Pi por toda su nativa Manhattan, como una forma de marketing guerrillero para su película debut, π (o Pi). Mientras tanto, al otro lado del país, el pequeño Austin Butler era un creativo niño de siete años con alergia a las personas. Jugaba a GoldenEye 007 en su consola Nintendo 64, cuando no estaba siendo obligado por sus padres a participar en torneos de softbol después de clases. “Volvía a casa llorando”, sonríe Butler. “No quería estar cerca de otros niños”.
Hoy, el actor de 34 años es uno de los más solicitados en el Hollywood juvenil, un a especie de discípulo de Marlon Brando con una nominación al Oscar por Elvis. Aronofsky, de 56 años, es el responsable de impactantes películas divisivas como Madre!, La ballena y Cisne negro; un director de la escuela del más-es-más en el cine. La pareja se ha unido para Atrapado robando, un dinámico nuevo thriller ambientado en el verano de 1998 y, en muchos sentidos, inspirado en el lema del cine de esa época: mezclar un poco de acción trepidante, rodaje en locaciones reales y un puñado de estrellas hermosas y ¡voilà! Instantáneamente a la gran pantalla.
Nos encontramos al final de un día de entrevistas de prensa que son decididamente diferentes a las de los años noventa. “¿Te han hecho comer gomitas Percy Pigs ya, Darren?” pregunta Butler. “¿Algún Colin The Caterpillar?” (N. del E: budín de chocolate en forma de oruga, popular en Gran Bretaña). Aronofsky, con la expresión de alguien a quien le han clavado agujas bajo las uñas, hace una mueca. “Me han puesto a hacer algunas cosas”, suspira. Aronofsky es, hay que admitirlo, mucho más enérgico y divertido de lo que uno podría imaginar para un hombre que transformó a la anciana Ellen Burstyn, de 68 años, en un espectro marchito adicto a las anfetaminas en Requiem para un sueño. Pero los juegos, los accesorios y las pruebas de gusto extravagantes de las modernas giras de prensa cinematográfica parecen un puente demasiado lejano.
Atrapado robando es algo así como un punto de inflexión para ambos. Es un verdadero vehículo estelar para Butler después de papeles de reparto en Había una vez... en Hollywood, Duna: Parte dos y El club de los vándalos, y un trabajo decididamente menos agotador para Aronofsky. Butler es Hank, un exjugador de béisbol que ha caído en tiempos difíciles. Mientras cuida del gato de su vecino –Matt Smith se divierte mucho como ese vecino, un holgazán de barrio bajo con un mohawk multicolor– Hank es asaltado por un par de matones rusos, que a su vez están enredados con un par de gánsteres jasídicos. Zoë Kravitz es la novia en pánico de Hank, y Regina King, la dura policía que intenta darle sentido a todo. Hay una llave azul en posesión de Hank que desbloquea algo, una banda sonora intensa del británico grupo post-punk Idles y el rapero Bad Bunny como un mafioso serpenteante. Perseguido por aparentemente medio Nueva York y con sus seres queridos siendo amenazados de muerte, Hank se sumerge en un agujero de conejo de 24 horas de violencia extraña.
Aronofsky ha tenido desde hace tiempo la tendencia de captar actores establecidos y retorcerlos en nuevas formas: Natalie Portman se convirtió en una bailarina aterradoramente delgada; Jennifer Lawrence en una diosa profanada; Brendan Fraser en un zeppelin humano. Con Butler, quería hacerlo un poco más real.
“Siempre pensé que había un potencial increíble en este tipo”, explica. “Lo que me gusta de esta película es que, aunque las actuaciones en Elvis y Duna fueron increíbles, había una transformación en curso”. Se detiene al llamar a Elvis Presley un “personaje”, pero el principio es cierto: Elvis era lo más sobrehumano que un ser humano podría llegar a ser. El calvo y sociopático Feyd-Rautha en Duna fue, por decirlo suavemente, un loco del espacio. “Aquí Austin es un barman en el East Village, ¿sabés? Y eso lo obligó a jugar todos estos diferentes matices.”
Butler –alto, bronceado y atractivo de una manera que es francamente codiciosa– está de acuerdo. “Eso estaba en el núcleo de por qué quise hacerlo”, asiente. “Se sentía más crudo y vulnerable, como si no tuviera esta otra piel.” Además, siempre ha amado a Aronofsky. Actuó en un cortometraje estudiantil a los 12 años –mientras aún vivía en su casa en Anaheim, California– cuando el director le recomendó que viera Requiem para un sueño, la representación pesadillesca de Aronofsky sobre el infierno de las drogas. “Ups,” bromea Aronofsky. Butler sonríe. “Sí, no pude dormir durante semanas. Pero también me enamoré de lo visceral que es su trabajo. Cuando estaba en mis veinte, invité a un montón de amigos y proyecté La fuente de la vida en mi patio trasero, ¿sabés?” Se refiere a la melosa película dirigida por Aronofsky en 2006 con Hugh Jackman y Rachel Weisz; es una película que han visto alrededor de 12 personas, así que el fervor de Butler es fuerte.
A pesar de estar sumido en el cine desde una edad temprana, Butler dice que le llevó un tiempo encontrarse como actor. Era, créase o no, un poco una estrella infantil; o al menos alguien constantemente en la órbita de cada ícono adolescente importante de los años 2000, desde Miley Cyrus (apareció en dos episodios de Hannah Montana) hasta Selena Gomez (un episodio de Los hechiceros de Waverly Place) y los Jonas Brothers (dos episodios de su sitcom homónimo, Jonas). Su gran oportunidad, de cierta manera, llegó en forma de Los diarios de Carrie (2013), una precuela de Sex and the City de corta duración (y a menudo completamente olvidada) dirigida a adolescentes.
“Estoy muy agradecido por ese programa porque me permitió mudarme a Nueva York y ver teatro por primera vez”, recuerda. “Cuando tenía días libres, simplemente iba a ver obras de teatro. El teatro no formaba parte de mi vida en Los Ángeles, donde también estás muy aislado de la humanidad. Estás en tu coche, estás en el set, y luego estás en tu coche otra vez y luego en casa. En Nueva York tomaba el metro y iba a museos y veía música en vivo; me hizo más curioso. Fue como una inyección de vida en mi corazón.”
Los diarios de Carrie fue cancelada después de dos temporadas, lo que permitió a Butler aparecer en obras él mismo, primero en una producción de Los Ángeles de Death of the Author de Steven Drukman y luego, en Broadway, junto a Denzel Washington en una producción de 2018 de The Iceman Cometh. En un artículo de ese momento en The New Yorker, el crítico Hilton Als se mostró como un fan temprano. “Aunque hay muchos intérpretes en esta obra... solo hay un actor, y su nombre es Austin Butler”, escribió. “Alto, con cabello claro y ojos de color claro, transmite, a través de la economía de movimientos y expresiones faciales, lo que muchos de sus compañeros de reparto intentan mostrar gritando y grandilocuentes: la vida interior de su personaje.”
Un trabajo posterior, notablemente como un devoto de Charles Manson –junto a otras futuras megaestrellas como Margaret Qualley, Sydney Sweeney y la ganadora del Oscar Mikey Madison– en la revisita al Hollywood de los crímenes del Clan dirigida por Quentin Tarantino. Fue Denzel Washington quien luego llamó al director Baz Luhrmann para recomendar a Butler, que estaba tratando de encontrar a su Elvis. Al final, Butler ganó ese papel sobre rivales supuestos como Ansel Elgort de West Side Story y Harry Styles (quizás el equivalente a mirar dentro de la boca del infierno). El papel lo catapultó a la estratosfera de Hollywood, le valió un Globo de Oro y una nominación al Oscar, y le otorgó un acento de Elvis que persistió mucho después de que se completara el rodaje, pero que parece haber disminuido en este momento.
Le pregunto a Butler si ha oído hablar del “iPhone face”, un término creado por internet para actores jóvenes que no convencen en piezas de época, potencialmente debido a sus retoques o cirugías plásticas, o sus resplandecientes rostros muy del siglo XXI. También está, más generalmente, la sensación subyacente de que absolutamente saben lo que es el podcast Call Her Daddy. “No, no he oído hablar del iPhone face”, dice Butler. Lo cual es extraño, vacilo, porque Butler tiene una especie de cara anti-iPhone. De su reciente carrera cinematográfica, solo la película Eddington –en la que hace un cameo como un teórico de conspiraciones que explota el pánico por el Covid de 2020– es contemporánea. “¿Eso es malo?” pregunta Butler ansiosamente. “¡No! ¡Es bueno!” dice Aronofsky. “Vivís en todas las zonas horarias, excepto en donde hay un iPhone.”
Butler rápidamente hace un inventario verbal de sus películas. “En realidad no puedo recordar la última cosa moderna que he hecho”, dice. “Había una vez... en Hollywood, El club de los vándalos, Elvis, esto, la miniserie de la Segunda Guerra Mundial Masters of the Air... quizás mi cara es tan imperfecta que no se ve bien para los tiempos modernos, no lo sé.”
Esa no es exactamente mi teoría. Inintencionadamente o no, las elecciones profesionales de Butler parecen estratégicas y reflexivas –guiadas por grandes directores y, generalmente, ideas originales- lo que a su vez se siente como un regreso a un tipo más tradicional y clásico de estrella de cine. Luego está su masculinidad fácil y confiada en pantalla: él es un tipo real, un poco melancólico e intenso, pero con una fragilidad innegable. Lo hace sentir extrañamente atemporal, y por lo tanto perfecto para papeles fuera del aquí y ahora.
Aronofsky dice que recuerda haber tomado algunas clases de actuación en los años noventa, pura y simplemente porque sabía que sería útil para él como cineasta. “Un profesor dijo que, una vez que lo lográs, lo más difícil es elegir lo que hacés después”, dice. “Y Austin es un muy buen seleccionador. He hablado con él al respecto y he visto cómo lo hace. Lo está haciendo de la manera correcta. Está pensando mucho”.
Butler está de acuerdo en que es difícil. “A veces significa decir que no a cosas que una versión temprana de mí habría hecho cualquier cosa por tener”, dice. “Y, emocionalmente, eso es muy raro. Todavía siento que soy ese niño de 12 años que solo estaba audicionando para cualquier cosa, ¿sabés?”
“Pero miro lo que Leo ha hecho en su carrera”, añade, refiriéndose a Leonardo DiCaprio, la estrella altamente selectiva que se cita regularmente como inspiración por todos, desde Timotheé Chalamet hasta Jacob Elordi. “La especificidad y la intención de cada película que hace, y también ser capaz de crear el espacio alrededor de cada película para que realmente puedas dedicarte a ello y no solo trabajar de manera consecutiva. Recuerdo hablar de esto con Robert De Niro... lo cual es una locura, siquiera decir eso”.
“¿No quieres decir ‘Bobby’?” bromea Aronofsky. “¿Hablas con Al últimamente? ¿Meryl?”
Butler se sonroja. Honestamente, solo denle tiempo.
* De The Independent de Gran Bretaña. Especial para Página/12.
